李津，1958 年生于天津，1983 年毕业于天津美术学院国画系，现任天津美术学院中国画系副教授。2013 年被AAC艺术中国评为年度水墨艺术家。2014 年被权威艺术杂志《艺术财经》艺术权力榜评为年度艺术家。2015年在上海龙美术馆举办大型回顾展“无名者的生活——李津三十年”。作品被波士顿美术馆、西雅图美术馆、中国美术馆、香港艺术馆等机构收藏。

待产图卷/43cm×38cm/纸本设色/2013年

一个鸡腿，两根萝卜，三只蟹爪，四头大蒜……李津的画中，我们总是可以看见很多日常的杯碗盆碟筷、餐桌上的萝卜白菜葱和鱼，一反历代文人画的清静意象，他的作品给现代人一种新“享乐美感”，让人在艺术里“吃尽人间美味，悦尽人间美色”，日常所食、所见、所用之美食美器，皆在李津的画中成为一个角色，与微醉、懵懂的李津作对话状，相对无言、惺惺相惜。

当然还有与女人之间的嬉戏调情：他笔下的女人艳丽妩媚、丰乳肥臀、秀色可餐，似乎令人触手可及。

富足图卷/180cm×98cm/纸本设色/2007年

传统文人一向追求清高淡雅，多不以世俗之物入画，寄情隐逸，才有山水，尊崇高风亮节，称竹菊梅兰为四君子。

上世纪初齐白石，以菜蔬、瓜果，农家常见草虫入画，一变文人的淡雅，创造出一种清新的自然气息。

而李津画“舌尖上的中国”，也画丛林中的微醺男女，用黑白水墨，也用缤纷色彩。

他读书、行路、饮食、酌酒，画里有山水，更有根植于当下的活色生香的日常生活。

李津充满强烈个人色彩的作品，吸引了国际化的眼球，同时也拓展了传统水墨的边界。

他的作品会让人想起当下，真实的人物，真实的生活。

乐趣就成了李津艺术的“主旋律”，李津画面中所有的形象创造，无论是男人、女人、美食、食具、茶具、花花草草，都充满了生活的情趣，诙谐好玩，让人看了忍俊不禁。

合家欢/138cm×69cm/纸本设色/2015年

唯美食与美人不可辜负

熟悉李津作品的人都知道，他爱美食：琳琅诱人的红烧肉、油焖大虾、清蒸鲑鱼……每种菜肴，在李津的笔下，文人画中四君子的竹菊梅兰就变成了鱼虾肉蟹……

“吃只是我的‘借口’，而且这个借口永远持续，因为我认为行万里路不只是看风景、画山水，实际上是要让自己的思想处于不断的新颖刺激和生活当中，这样艺术家对生活、对自己的艺术才有新鲜感，‘老树’才能开‘新花’。”

李津笔下的女人，也分外值得一提，与其他艺术家笔下性感的发光的女性裸体不同，李津笔下极具肉感的女人造型，就像他画的男人一样，表情也是懵懵懂懂、却也无以名状的吸引人。

他也不厌其烦地画自己，一个肉头鼻子满面胡须的人瞪着呆萌的豆眼。

他画不烦自己，也觉得自己的形象挺入画，就像始终用第一人称写作。

身边总有一个小媳妇似的白净女人，那也是来自生活。

不是写生，都是默写。

江南行册页之五/纸本设色/19cm×28cm/2015年

李津的父母是解放前的大学生，地下党员。

母亲后来做了天津的教委主任，很懂教育，对儿女管教有方，唯有李津，被认为是“烂泥扶不上墙”，因为他任性、自由散漫，被称为“没有约束自己的能力，不够理性。”

“对我绝对失望，但是失望之后有一个好处，就是不太管我。干脆放纵，你也就无从逆反。我哥哥姐姐被管得多一些，因为未来寄托希望。我是只要不惹事，想画画他们提供一些材料，很少干涉。”

他因此成为家中的“漏网之鱼”。

“那时候也没有正经的纸，都是我妈妈写稿子的反面，或者文件的反面，就在那上头画，永远都是画得满满的，很节约用纸，情不自禁地去抓那个笔和纸去。”

红色经典图册之八/38cm×44cm/纸本设色/2014年

李津生于天津，解放天津的时候，他们是第一批最先进城的，因此用这个城市给孩子命名，天津也成为李津绘画里的底色。

“我画里的幽默感，民间曲艺的味道，都跟天津有关系，跟杨柳青年画有关系，天津的杨柳青年画和其他年画都不一样，它是殖民地年画，它里面有素描的影子。满清宫廷里都兴用杨柳青年画做物件儿，有种洋派在里头。那个时候天津是租界，这边是洋楼，纯正咖啡馆，西装革履;那边就是真正的民房，说相声的、茶馆、卖艺的，天津卫就是这样大红大绿。我出生在德租界的洋楼里，有阁楼，有地下室，但是我上工艺美校就是一个特民俗的、三不管的地方，我的画里不土不洋的东西，跟这个城市有直接关系。”

欢乐颂图/43cm×38cm/纸本彩墨/2013年

天津人有种给自己找乐子的本领，正像天桥相声里说的：“逗你玩儿!”在李津自我放逐的那些年里，每天都是靠玩儿对付，既不参加美协，又不参加全国美展，一点荣誉感都没有，全然放弃的态度。

天天卡拉OK，喝大酒，不跟画家玩儿，但有的是玩的，天津有玩古玩的、玩蛐蛐儿的，热闹得很，还养鱼，看鱼在鱼缸里游就是一两个小时。

他是个特别害怕孤独的人，生活就该像他常穿的大花衬衫一样，丰盛，热闹，满得要溢出来。

兄弟/33.4cm×24.3cm/纸本设色/2017年

李津对于创作不同阶段的自述：

第一个阶段是上学期间和刚毕业时的创作。

我那个时期的画风格接近于表现主义，比较热烈、情绪化，追求所谓的力度、力量感和视觉的冲击性。

这与当时很年轻、很有精力有关。

圣帕特里克节之一/43.3cm×37.5cm/纸本设色/2017年

第二个阶段是1995年以后，我另起炉灶过家庭生活。

这个阶段我开始更转向世俗生活，躲进小屋去过自得其乐的生活，关心自己周围的事情，作品也变得生活化、私密化。

画的东西不是为了给大众看的，画的情调也更个人，有点“家常主义”。

我让大家印象深刻的很多作品都是从这个时期开始的。

人们开始发现有这么一个画家挺有意思，特别愿意画自己周围的事情，画一些世俗百姓日常生活中都有的吃喝拉撒，画得还挺精彩。

圣帕特里克节之三/43.3cm×37.5cm/纸本设色/2017年

第三个阶段是2000年以后，这个阶段我又有一个调整，发现绘画虽然是描绘自己的生活，但是作为社会的一员，我的感触代表了这个时代很多人的感触。

个人的感触折射出来的是整个时代。

绘画作品描述自己的同时也描述了时代。

这个时候我开始挖掘绘画作品中的消费感、丰盛感，这种对物质丰富的追求是这个时代我们很多人共同的追求。

这是在消费时代，曾经经历过饥饿的中国人一旦脱贫以后的思想。

比如我会画很多无度吃喝的人，并不是说他们的胃口、舌头需要，而是他们的精神上需要这种安慰，需要这种成就感。

现在那么多人谈事情需要请客吃饭，需要很奢华，这实际上折射出以前他们生活中所缺失的东西。

所以我画了很多消费主义的东西，实际上是反映了一个时代人的心态，最起码反映了我们这个时代人的心态，表现自己的小生活和大生活之间等同和对应的东西。

青城怀古图/纸本水墨/43cm×38cm/2014年

把日子过透，真性情跟“主义”没有关系

这真实的情绪，与当下息息相关。

饕餮盛宴里袅袅上升的滋味，树林花丛中嬉戏追逐的男女情人，又或是竹塌上的春梦一场，李津敏锐地捕捉到瞬时情境，又再现于具体的画作中。

乍看，是欢愉，再看，是人生。

李津以自己的人生感觉，创造了一系列以自己为模特的懵懵懂懂的男人，像微醉的人，沉浸在人生忘记一切的感觉中，眼神朦胧，神情恍惚，不谙世事，逍遥自在。

“别人看我的画，觉得挺夸张，但我怎么看都觉得和自己很像。我的鼻子就是很大。我喜欢用第一人称创作，我是我画面里绝对重要的角色。”在李津的画面里，无论造型还是情节，都明明白白地透着一股生活情趣。

待产图/39.5cm×49cm纸本水墨//1997年

很多人或许不太懂李津，他们还都围绕在表象上。

“对于传统的、高古的绘画，我内心的认识还是比较透彻的。只是，我想要放下架子、面对大众，让自己的说话方式不那么晦涩，拿出真诚的聊天态度。”

水墨画固然是严肃的，但幽默却是人与生俱来的本能。

就是喜欢。

颂歌/400cm×250cm纸本设色//2015年

让人很烦的事情，或者是周而复始总在重复的事情也没什么不好，这种生活总在重复着，我们谁也不知道生活是怎么回事，从早到晚一直都这样，虽然说流程是这样的，但只要你端正态度，每个人所得到的感受肯定不同。

所以我一个画画的人，把心里的那些小感觉用画表现出来，实际上已经有一层过滤了，你画的时候是有所选择的。

不是我非要画这点东西，我是觉得这日子还没有过够，也没有过透。

云散空净/37cm×42cm/纸本设色/2016年

“水墨是一种选择：对中国传统审美方式及生活方式的选择”

我是个很写实的画家，创作灵感一般来源于我周围的生活、来源于我喜欢的东西。

我的生活就是爱吃、爱喝、爱玩、爱唱唱卡拉OK。

我的作品不晦涩，我画的都是我自己真实感受到的，没有任何编造的东西。

如果我不喜欢吃偏要画吃喝，我不喜欢女人偏要画女人，这都属于硬编了。

养怡之福/35cm×46cm/纸本设色/2016年

我选择了水墨，选择了中国传统的审美方式，也选择了一种生活，真正理解汉族生活是什么，这个时候回过头来才会比较踏实，没有一点虚的地方。

如果没有这点，到了国外你就会感觉不踏实，因为整个的文化权利和文化的自主性，你都不能说什么，你是被选择的，就可能变得很随便。

当代艺术在西方他们像谈自己家里的事，没有障碍，谈笑风生，另外一个半球，另外一种意识形态，我们把它渗透了多少，我们又有多少共同的地方?唯独到了水墨的时候，才获得了一种尊重，这种尊重是这个国家悠久历史的基础上造成的，但是这个不等于他们就会理会你，他们也可以不选择你，也可以不跟你交流，但是他们对你的尊重是够的，对传承的绘画尊重是够的。

才下眉头却上心头43cm×38cm//纸本设色/2013年

水墨的材料对我来说没有问题，因为我不是非要跟传统的语言方式拉开距离来作为一种创造，有很多人是这么设定的，我也相信做这种事的人也许以后有道理，因为他是要探索一种所谓的新语言模式。

我思考的是怎么进入当代，活在当下，生活的真实感受可能更重要。

爱江山更爱美人图/43cm×38cm/纸本设色/2014年

艺术家本身的选择是有他自己的权利的，要不就不搞艺术了，其实很多搞艺术的人，在现实生活中有很多东西都不想，然而又有一种愿望，一种假设的认定，假设的一种同意，这个同意不需要谁，艺术家自己同意了就行，然后才是一个反面市场的选择。

“老师，来一千尺。不着急哈，老师，绝对不着急，你把账号给我”。

如果我都是okayokay的话，那我现在就惨了，欠这么大屁股的债，还想大苹果?还想破局?凭什么破局?他们打官司不就因为这个吗?人家说，你画得太粗糙了，我当时要的是那个，不要这个，要不你还我钱，要不你画我想要的东西。

就是这么鲜明。

我那时候不是不缺钱，好在我内心里比较清楚，要这个我睡不着觉，给我多少钱我都睡不着觉。

还是，我的画我自己来选。

叫我如何不想他/35cm×138cm/纸本设色/2016年

曾为李津策划了他的三十年回顾展的汪民安，从哲学角度解读出了他满纸声色背后的荒凉和荒诞，“他致力于将人性的东西灌注到纸上，并将这种瞬间的快乐永恒化。李津的作品是表层的喜剧，深层却埋伏着挥之不去的伤感。他对世俗生活的强烈迷恋受到了必死的悲剧意识的促发，这正是‘人的终结’的主题，它在此以两种方式表达出来：一种是海德格尔式的人之必死意识，一种是科耶夫式的人之终结意识。对于前者而言，我们看到了画面笑声后面的悲剧，对于后者而言，我们看到了画面悲剧前面的笑声。”

春到纽约/43.3cm×37.5cm纸本设色/2017年