从学生到老师改变了什么？一份教书育人的责任从此扛到了肩上，不敢辜负，也不能辜负。

何家英说：“我是把老师曾经教的那些有益的思想方法，再传承给我的学生们，同时还有古人以‘师法自然’为前提的创造性思维”。

何家英，1957年出生于天津，1977年考入天津美术学院绘画系学习国画，1980年毕业后留校任教。曾任第九、第十、第十一届全国政协委员，天津画院院长。现任中国美协副主席，中国艺术研究院工笔画艺术研究院名誉院长，中国工笔画学会名誉会长，中国艺术研究院教授、博士生导师。

近作为当代中国卓有成就的工笔人物画家，何家英开创出了一条既不失传统又具有时代审美的现代工笔新路，以新经典的姿态得到社会各界的认可，在美术圈备受追捧。

何家英的艺术之路，不仅有老师前辈给予的方法论，同时在经历西方艺术思潮以及大众审美变迁后，所开始对传统工笔画的深度探究和横向拓展，做到了中西结合，工写兼备，并以此建立起一套完整的教学体系。

近40年的教学生涯，一批批本科、硕士、博士以及高研班的进修生，从何家英切实的言传身教中得到一份“艺术的传承”。基础过硬、深扎传统、懂画理、重感受、讲创新，几个关键词既是教学体系的总结，更是何家英师生们在艺术上的实践成果。

虽然“老师”的身份如今更多、更紧的围绕在身上，但在何家英心里，他仍是一位对艺术拼命汲取营养的学生，面对新的艺术语言和生活感受，努力让自己再进步一点……

造型基础：素描要过硬

1974年，何家英17岁初中毕业，插队去了农村。坚守着从小对画画的满心喜爱，在当时艰难的岁月里也没有放弃过。

上工时不忘口袋里总带个小本子，休息时掏出来抓紧画速写，农民往往成为何家英描绘的对象。回到家哪怕距离吃饭还有20分钟，他也会背个小画箱出去画张风景写生。晚饭后，照例拿着小日记本当速写本到农民家里或在上夜校时画速写。

一盏小小的马灯，何家英躲在农民背后，看着灯前的人画速写，基本是摸黑画的，那是用“心”在画。这些最初的速写也打下了何家英在艺术上的基本功。

文革结束后的1977年，何家英以最后一批工农兵学员的身份考入天津美术学院，开始了正式系统地学习绘画。那时美院采用的是徐悲鸿的教学体系，素描教学是其中的主要内容，因此要重点解决。

“进入美院之前，我学习素描往往就是追求一种素描味，就如过去《工农民素描头像选》里广东陈衍宁、伍启中等那种用大直线条切割出来的画法。后来见到学校有一张李天祥在俄罗斯留学时候画的大卫石膏像。如此的深入程度使我惊讶，我才知道素描是不能停留在大感觉的素描味上的，就从那个时候开始，我终于敢画出我看到的事物真相了。”

这时候，刘天呈老师上素描课时的一句“素描关系中有时对与错就差一点”，把何家英点醒了。

“有时是要靠错觉来区别这一点点差别。我们若用碳笔画画，老师会让我们用炭笔画得跟铅笔一样的感觉，就能够控制住这种微妙关系，通过画石膏像来解决素描的整体观察方法问题。第二个，我懂得了黑白关系学，找到了节奏和对比。”

“素描基础打不牢，后面的学习就会荒废下去”。何家英说的很直接。而从老师身上得出的经验，也影响了何家英在后来教学对基础训练的注重，素描、速写以及工笔画传统的线描功夫。只有这一关过了，才能掌握工笔的表现技法。

谈起基本功训练，何家英的学生们颇有一番体会。1990年徐展本科入学，已留校任教的何家英对国画系教学很是上心。

当时班里六个同学，女生下课爱去逛街，本地同学就回家去了，经常剩徐展一人在教室里。“何老师从家到画室，中间总来教室看看，每次见到就让我拿画出来，给点评一会。那时候主要画速写，老师看了给我讲人物造型，怎么用线，如何找准人物特征。这样一来二去，速写本就变成了我在左边画，右边留下，等着何老师过来示范。“一个学期过去，在何家英的督促加指导下，徐展速写画了厚厚一塌，质量也上去了，进步很大。偶尔，喜欢下象棋的何家英还会与徐展厮杀几局。

而随着“何家英”这个名字在美术界的声望越变越高，加了各种头衔，事务性工作越来越多。“成天嘻嘻哈哈的何老师，在学生面前，却不怒自威。教学愈发严格，点评直言不讳。尤其抓基础训练，特别是速写和人体素描，对传统工笔画学习更是严格要求。不追求速度，只追求质量，有时一张古代工笔画要大半年才能完成。从线描稿到上墨勾线，都要一一的检查指导。”

此时，陈治就赶上了这段“高压期”。从1997年考入国画系本科，到2002年考取工笔人物专业研究生，一直跟随何家英学习。回忆起曾经的学习经历，一张《捣练图》尤为记忆深刻。“何老师拿着放大镜看我的勾线，这又出偏锋了，这呲毛了，线条勾的没有味道，直接重来。画了四遍才算过关。”正是这种严苛训练，使陈治在工笔画上有了不同寻常的认识和能力。

“每次点评作业，发现问题直面提出，毫不留情。经常批评得我们面红耳赤无地自容。为了不挨批评，我们便会在课下加倍努力，攻克难关。先生留一张作业，我们一般都会在课下画十几张甚至几十张，然后选一张最满意的来交作业”。孙震生说。

1994年，在《读者》杂志上偶然看到的《秋冥》是孙震生立志向何家英学画的契机。从一次跟随师范老师去美院的拜访，再到先后两次到天津美院进修学习。2006年，孙震生正式考入天津美院中国画研究生班，成为何家英的学生。

这么多年过去，能够真正抗得起磨练的学生其实并不多，虽然“何家军”人少一点，但都是经过何家英认可的学生，每一个拿出来都算“数得上”，有的更是“响当当”。

“也正是严格的要求、严谨的治学态度，才让我们练就了扎实的基本功，才会在以后的创作中游刃有余、得心应手”。第十一届全国美展中,孙震生的工笔画《回信》以独特的艺术构思和娴熟的创作技巧,摘得金奖。

陈治、武欣合作的《零点》获得了第十一届全国美展银奖，并在全国美展赴日展出时得到观众的特别关注;《儿女情长》获得了第十二届全国美展的金奖。

懂画理：理通了，一通百通

7月6日上午，周口市美术馆人头攒动，“生活的印记—何家英师生作品展”正在准备开幕。而当天从美术馆开门，展厅就陆续挤满了看画的观众。许多慕名而来的当地观众在看到何家英那幅经典作品《秋冥》的第一反应是：“怎么能画的这么细，人这么有神采！”

画里女生垂落的发髻、每一根眉毛的走向、交错的毛衣线，包括脚上那双麂皮鞋的质感都一一描绘到位。

在人物造型确定后，可树枝、树叶这些背景怎么处理？刚开始何家英仍在用工笔画状态来中锋勾线，效果却差强人意。

“白老师一看我那个状态不对，就说：你的画面如果都用工细的，一个是力度不够，第二是没有节奏。他给我做了几笔示范，咔咔几笔，一点立即就明白了。所以画上的树枝、树干全部是写意笔法，带着一点粗犷。那些桦树皮，我是拿着笔蘸着颜色，像斧劈皴似的，一扫就撂那儿不动了。因为是立着画，颜色往下一流就到了底，产生了一条更白一点的边线，很像桦树皮卷起来的感觉，有个小薄边，完全不是刻意的描。”

等到画地面上的落叶，何家英再次“松”了起来。“地面做了一点肌理，颜色泼上一染，干了以后再刷点儿水轻轻地一洗，留下什么就是什么，非常写意。这种虚与实、工与写之间的距离很大，如何没有老师的画理支撑怎么会想到，又怎么敢这样去画呢。”

何家英口中的老师就是白庚延，他师从王颂馀先生，以山水见长，有深厚传统绘画功底，特别在画理上有独到的研究。1980年，何家英从天津美院毕业留校任教后，与白庚延在同一间画室，两人经常交流，十分投缘。除了在创作中给予的指导，每每在画理上探讨更是给何家英带来了思路上的启发。

比如“虚处不够实处找”。意思就是画画的时候，我们总会觉得画得不够，可能就会在某些部位上继续往上加，结果却发现越加越不够，为什么？

“实际上你加的地方是虚的部分，主要的地方就更加不够，如果把实的地方做到位了，所有的就都够了。”

这让何家英懂得了绘画语言是一种带动关系，以实带虚、以虚衬实、虚实相生。全面的虚是空洞的，没有语言；全面的实，面面俱到，就显得匠气。

“理通了，一通百通”。所以教学上，不管是专业上的画论、美术史等理论学习，还是平时上课指导，何家英都注重给学生讲一些画理。特意安排的艺术欣赏课，不只是中国传统绘画的分析，也拿西画的构图和色彩举例。“有的学生基础差，不懂构图，我就让他们从图书馆找画册看，用小卡片记下来，归纳构图的样式，然后分析规律，很快就能领悟到形式的处理方法。”

一张画好和不好，什么是好，哪里好，让学生对绘画的审美和认识由模糊到清晰起来，在实际创作上能够应用。

重感受：抓住生活的“根”

何家英常说，画画需要观察生活，抓住生活的“根”。有了对生活的真情实感，才能在画里透出来，把对生活的观察和感悟变成绘画的主题。

他认为：“既要贴近生活，又要与生活保持一定的距离，应尽最大努力去贴近人民群众的火热生活，而与自己习以为常的生活保持一点距离，这样才会有新鲜感。回顾自己的创作经历，那些自己比较满意、也得到普遍好评的代表作，无不是深入生活、反复提炼、巧妙构思、水到渠成创作出来的。”

如此，才有了体现复杂内心的小市民画像《街道主任》。去到山区写生时，看到光膀子的老农把地里的石头拣出去，而俯身下去的脊梁，成为《山地》最触碰人心的形象。为画一个农村女孩，何家英三上太行山，大量的素材搜集，光草图画了上百张，才有了这张柿子林中悠然走过的女孩，怀着对未来的惆怅与期待的《十九秋》。

“老师讲创作要到生活中去挖掘素材，要去塑造有血有肉的鲜活形象，不要矫饰，不要媚俗。作品要画得朴素大方、生动感人。”孙震生说。

在学生陈治、武欣获金奖的《儿女情长》里，家庭生活的深入理解和刻画无疑打动了评委。母亲身上穿着的围裙和还没来得及洗去面粉的双手，给父亲的药和营养品、小孙女的草帽和书包、日历上标注着到家的日期，亲人之间的情谊和伤感的情绪在细细的体味中明确出来。

随时随地去观察和感受生活的点点滴滴，积累充分的素材，从真切的现实生活中获得艺术上的真情实感。“生活的印记”也正源于此。

讲创新：不能停留在一招一式

作为当代中国工笔人物画杰出的代表，何家英对于工笔画的创新，不仅在于继承了传统，更吸取了西方素描基础、构图等技法表现，做到了中西结合。同时，他还在工笔所达到的细腻精巧上，加入了传统写意画的表现趣味，达到工写兼具。从此改变了工笔人物画样式的单一化特征，赋予人物以精神气质。

在“写意”为绝对主流的90年代中国画坛，工笔画其实关注度很低，甚至是冷落的。而何家英坚持“逆流而行”，在他带领和影响下，逐渐吸引了一大批年轻画家的加入到工笔画队列中来，如今在画坛绽放异彩。何家英的作品也成为了最好的工笔画写生教科书。

“我1994年去广州美术学院办展览和讲学的时候，就看到很多学生拿着我的画册在临摹。我当时就对他们说，千万不要让我阻碍了你们的发展。我非常担心的是别人只是在学习我的绘画样式，并错误地认为我画得很写实，人物渲染得很立体。其实，中国绘画是意象思维，不可能像西方绘画完全真实的表达，我只是在某些方面画得真实而已，更多的是一种意象，讲究中国绘画的再造和程式化语言。”

“很多年轻人采取模仿成功艺术家的艺术，这是大忌讳。我们太容易拣来现成的东西，急功近利的心态造成了这种状况。”何家英无不感叹。

他曾直言：“不要以为进了我的工作室就只是画工笔。我要求工写兼具，全面发展，不能只学老师的一招一式。今天工笔画的发展，仍然是一个创造性思维，不仅仅是继承。”

他让学生去敦煌临摹石窟壁画，去学习日本岩彩画的技法，矿物色如何运用，把壁画、岩彩画的技法尝试融入到工笔画的创作中去。不囿于师门，博采众长、广泛吸收，才能摸索出适合自己的路子和个人风格。

而每每学生取得一些成绩，作为老师的他在一边鼓励的同时，也不忘谆谆叮嘱：别骄傲，踏下心来，更不可被市场冲昏头脑，好作品才是画家安生立命之本。

同样，对已年过六旬的何家英来说，自己的脚步不能被时间拖住，前面还有一片广阔的艺术天地。

“没有倚老卖老的吃老本，我唯一感到欣慰的是我的创作没有停止，我还在进步。”