声音艺术与其他艺术的差别在于它是一个没有和某一个特别的时间阶段、地理位置或艺术家团体相关联的艺术运动。它是在早期作品被创作出几十年之后才被命名的。在各种声音充斥的今天，我们来一起回顾几件最重要的声音艺术作品。

对于“声音艺术”(Sound Art)这一门类，邱志杰曾经说过，“‘声音艺术’作为一个专门概念，它所指涉的并不是普通意义上的‘视觉艺术中的声音表现’。”

1979年，纽约现代艺术博物馆(MoMA)曾举办了一场规模不大的展览，名为 "声音艺术"(Sound Art)。博物馆狭小的媒体艺术馆一次只能容纳一件艺术品，所以展览中马吉·佩恩(Maggi Payne)、康妮·贝克利(Connie Beckley)和朱莉娅·海沃德(Julia Heyward)的三件作品不得不轮流展出。

当时展览的策展人芭芭拉·伦敦(Barbara London)说到，“‘声音艺术’作品与艺术的联系比它与音乐的联系更紧密，通常在博物馆、画廊或另类空间中呈现。”

声音艺术与其他艺术的差别在于它是一个没有和某一个特别的时间阶段、地理位置或艺术家团体相关联的艺术运动。它是在早期作品被创作出几十年之后才被命名的。任何听觉上的东西——广播、口语、时钟的钟声，甚至沉默本身，都是声音的一种。

随着技术的发展，声音艺术也带来了新的声音艺术家，而他们的作品也帮助着重新定义了何为声音艺术。在此，“凤凰艺术”挑选了声音艺术史上极具代表性的7件作品，与您共同回顾。

路易吉·鲁索洛(Luigi Russolo)是著名的意大利的未来主义运动的画家，但他也被认为是最早的实验性噪音艺术家之一。鲁索洛是以噪音艺术，探究噪音的可能性，和噪声所具有的含义性，其背景是19世纪以内燃机所引领的第二次工业革命。

1913年，鲁索洛发表了《噪音的艺术》宣言，他认为城市工业带来的声音的变化需要新的音乐方法，他发明并制造了名为Intonarumori(意大利语意为 "噪音制造者")的声学噪音产生装置。对鲁索洛来说，旋律音乐限制了人类欣赏更复杂和不和谐的声音的潜力。

1917年，他试图用他的作品《未来主义大协奏曲》(Gran Concerto Futuristico)来弥补这一点。为此他组建了一支噪音管弦乐队，演奏出令人不快的声音，但也遭到了广泛的批评。今天，他的宣言被认为是20世纪音乐理论中最重要的文本之一。

马歇尔·杜尚(Marcel Duchamp)对声音视觉化的潜力非常着迷，虽然没有经历过正规的音乐训练，但他在1912年至1915年期间将大部分时间用于音乐创作。

杜尚最终创造出的声音艺术，与之前他赖以成名的达达现成作品的完全不同。他设计了一件纯概念作品和两件能够表演的概念练习曲，其中包括《错误音乐》(Erratum Musical)。《错误音乐》是由三个音符写的乐谱，并被偶然安排。他通过抽签的方式，把三个音符从帽子中抽出来，然后开始作曲唱歌。

美国作曲家约翰·凯奇(John Cage)和杜尚是艺术合作者，他们都致力于重新定义音乐的界限。

在凯奇的代表作中，他挖掘了沉默的潜力，并在这个过程中彻底改变了声音艺术和表演。约翰·凯奇最著名的作品是《4'33''》，这是一首由4分33秒的沉默组成的三个乐章。据报道，他的灵感来自于对哈佛大学消声室的访问。

但是，没有什么沉默是真正的沉默，观众在停顿期间会敏锐地意识到环境的声音。这个类似的悖论是基于凯奇在哈佛大学的消音室里面听到的——他被发现可以听到自己的心跳声。他如此写下了这段经历，“直到我死，都会有声音，而且它们会在我死后继续存在，人们不必担心音乐的未来。”

20世纪60年代末和70年代初，电子媒体的发展扩大了艺术家和作曲家在声音和雕塑的交叉点上工作的潜力。比尔·丰塔纳(Bill Fontana)从城市环境出发，他是用雕塑记录城市声音的先驱。

1984年在柏林展出一个月的《长途火车》(Distant Trains)中，扬声器被埋在安哈尔特火车站的旧址上，那里在二战前是欧洲最繁忙的火车站之一。由于在战争期间被炸毁，它于1952年正式放弃使用。

丰塔纳在科隆火车站放置了现场麦克风，将繁华的火车站的实时声响传送到废弃的安哈尔特火车站，重现了一个幽灵般的声音环境。

马克斯·纽豪斯(Max Neuhaus)可以被视为是将声音用作一种可塑性材料用来创作声音作品的开创者之一。《时代广场》(Times Square)是他于1970年代在纽约市的公共场所创作的一系列声音装置艺术之一，最初安装于1977年，1992年被拆除，2002年重新设置。

他在百老汇和第七大道交会、第45街和第46街间的安全岛上移除了一些栅栏，并在透过栅栏可看见的逃生通风井中安装发电机和扬声器。现在它每周7天，每天24小时地运行着，这些不断飘来的声音令人很难捕捉到它。
纽豪斯对这件作品的描述是：“它不存在于时间当中，我把声音从时间中提取出来，使它成为一个实体。”

出生于苏格兰、来自柏林的艺术家苏珊·菲利普斯(Susan Philipsz)用特定场所的声音装置来探究感觉和记忆之间的联系。她曾说，“声音在物质上是看不见的，但蕴含着无限的情感，它可以定义一个空间，也可以触发记忆。”

2010年，她凭借声音装置《低地》(Lowlands)获得特纳奖，这是特纳奖有史以来将奖项颁发给一个声音艺术装置。

菲利普斯使用录音技术，把声音(主要是她自己的歌声)投射到一个设计好的空间中，在格拉斯哥市中心三座大桥下面播放着《低地》这首歌的三个不同版本，唱着一个溺死的人回来寻找爱人的故事。但她的获奖引起了反对者的批评，他们认为她应该被归类为歌手，而不是艺术家。

德国艺术家卡斯滕·尼古拉(Carsten Nicolai)自20世纪80年代以来一直致力于声音媒体、科学和视觉艺术的交叉。

尼古拉的作品致力于 "有声而无声"，他的声音和视频装置曾在德国卡塞尔文献展和意大利威尼斯双年展上展出。他的大部分作品都试图让人的眼睛和耳朵能够感知到声光现象。

2016年，他在柏林Eigen+Art画廊展出了《反射失真》(Reflektor Distortion)，通过扬声器用低声频撞击旋转的水面，而水面上的波纹也反射了波频，使声音的形状变得清晰可见，哪怕只能停留短暂的时间。