蒙克的《呐喊》是现代艺术的标志，是我们这个时代的蒙娜丽莎。正如达·芬奇唤起了文艺复兴，蒙克定义了我们如何看待自己被焦虑和不确定所折磨的人生。虽然这位挪威艺术家以一幅画而闻名，但事实上他是现代艺术中最多产、最具创新精神的人物之一。


10月22日，新的蒙克博物馆在奥斯陆正式向公众开放。新博物馆的面积是原来的五倍。蒙克1944年去世时，将一生的作品遗赠给了奥斯陆，77年后，挪威首都终于有了一座大得足以展示其全部蒙克收藏的博物馆，26313平方米的新空间也将是世界上最大的专门展示单个艺术家的博物馆之一。


博物馆收藏超过26700件蒙克的作品，亮点包括长达8米的《太阳》(1909年)，以及蒙克的标志性作品《呐喊》的不同版本，1893年的早期粉彩研究和1910年的彩绘版，还包括1873年至1944年蒙克的绘画、版画、照片、素描和水彩画。 


虽然蒙克以《呐喊》闻名于世，但他也尝试了各种媒介和技术。除了绘画、水彩和木刻版画之外，蒙克还在1902年买了一架柯达相机，被公认为是最早尝试自画像摄影的艺术家之一。 


崔西·艾敏，英国最著名和最具争议的艺术家之一，将在博物馆开幕时举办名为《孤独的灵魂》(the lonely of the Soul)，她在斯堪的纳维亚的首个大型展览，这也是这座新博物馆的开幕首展。展览展示了艾敏对蒙克一直以来的仰慕，展览将两位艺术家的作品进行对话，艾敏的新作将与她亲自挑选的蒙克作品共同展示。


“疾病、疯狂和死亡是守护我摇篮的黑天使，从那以后就一直伴随着我，”蒙克在他的笔记中写道。这也几乎是在解释所有其与死亡相关的绘画主题，这些构成了他的艺术世界的一个重要组成。 


蒙克一直困扰于人类的死亡问题，如慢性疾病、性和宗教。他通过强烈的色彩、半抽象和神秘的主题来表达这些感受。在法国印象派的伟大胜利之后，蒙克继承了颇有影响力的高更更具象征主义的敏感特质，进而成为新一代欧洲大陆表现主义和象征主义画家中最具争议和最著名的艺术家之一。 


蒙克在一个不时受到威胁生命的疾病困扰的家庭中长大，他的母亲和妹妹也过早死亡。蒙克的父亲是一名基督教原教旨主义者，他把这一切都解释为上天的惩罚。悲剧事件及其宿命式的诠释给这位年轻艺术家留下了终生的印象，并决定性地促成了他最终专注于焦虑、情感痛苦和人类脆弱等主题。


蒙克的绘画虽然起源于个人经历，但却具有缓解任何观众自身情感或心理状况的力量。在某种意义上，蒙克与他同时代的梵高相似，努力记录他周围世界中观察到的对象与他自己的心理、情感或精神感知之间的一种结合。


《生病的孩子》是蒙克最早的作品之一，被认为是他早期职业生涯的“突破”，他早期生涯中，死亡、失去、焦虑、疯狂和受困的灵魂是他的主题。


这幅画是献给蒙克已故的妹妹乔安娜·索菲的。15岁的蒙克卧病在床，身边有一个悲伤的女人，后者可能是蒙克的母亲，她死于肺结核。粗糙的笔触、划痕的表面、忧郁的色调都显示出一种高度的个人情绪。这幅作品在首次展出时因“感觉未完成”而受到诸多批评，但蒙克的精神导师汉斯·j·埃尔格(Hans j . ?ger)仍将其视为大师之作。 


《圣克劳德之夜》是蒙克抵达巴黎后不久创作的，它揭示了后印象派画家梵高和图卢兹-劳德雷克的直接影响，他们许多关于孤独的人物或空荡荡的房间的肖像都反映在这幅画上。蒙克向他的父亲致敬的作品是一个昏暗的、看似神圣的房间，沐浴在昏暗的光线中，实际上这个空间里只有阴影和寂静。 


蒙克的《呐喊》在现代艺术编年史上的重要性怎么强调都不为过。它与梵高的《星夜》、毕加索的《阿维尼翁的少女》和马蒂斯的《红色工作室》一样，都是现代主义的经典。蒙克横向和纵向笔触的流畅性与《星夜》中的天空和云彩遥相呼应，他也可能从中发现野兽派、表现主义甚至超现实主义的美学元素。 


《呐喊》的创作背景是在蒙克到达或离开他姐姐劳拉·凯瑟琳被关押的一家精神病院时，沿着一条可以俯瞰奥斯陆市的小路散步。不知道艺术家是否看到了一个真实的人的痛苦状态，但这似乎不太可能。蒙克后来回忆道:“日落时，我和两个朋友在路上走着，突然天空变得像血一样红。我停下来，靠在栅栏上。颤抖和恐惧。然后我听到了大自然巨大的、无穷无尽的呐喊。”


蒙克的《圣母玛利亚》与《呐喊》是同时代的作品，笔触，颜色相对柔和。蒙克描绘圣母玛利亚的方式与之前所有对耶稣基督纯洁母亲的“历史”表现——从文艺复兴时期的自然主义到19世纪的现实主义——相违背。她闭着眼睛，带着一种谦虚的感觉，她的身体微妙地扭曲和弯向一种难以描述的光。圣母头上的红色光环，与传统的白色或金色戒指相反，尽管这位艺术家自己从未完全屈服于他父亲的宗教狂热和教义，但这幅作品清楚地表明蒙克一直在为自己的灵性本质而挣扎。 


痛苦、焦虑和失落是蒙克全部作品中永恒的主题，但也许没有任何地方能像蒙克的《青春期》那样将这些主题结合得淋漓尽致。这个孤独而保守的女性形象象征着一种性压抑和沮丧的状态——这两种状态在艺术家的一生中都困扰着他自己。这个人物背后的阴影暗示着一个不祥的、有知觉的生物。


后印象主义的美学特质在蒙克的作品中仍然非常普遍，但使他的作品与众不同的是强有力的象征主义元素。蒙克画的不一定是他所看到的，而是他在眼前的感觉。事实上，蒙克通常是根据想象而不是现实来作画的。 


在蒙克住院后的几年里，这位艺术家将自己从狂欢作乐和酗酒的生活中解脱出来，将自己的日子奉献给了他的艺术和乡村生活。此时他开始称它们为“我与大自然的孩子”。以农场工人、动物和挪威风景为素材，把蒙克的艺术带到了一个全新的方向，一个赞美生活和工作，而不是焦虑和失落的方向。在《春耕》中，我们可以看到蒙克从年轻得多的弗朗茨·马尔科那里获得的灵感。他喜欢在自然环境中描绘动物，蒙克创作真正原创的象征主义和表现主义作品的时期已经过去了，这可以从当时类似的作品和题材中看出来。 


在蒙克生命的最后27年里，他独自生活在奥斯陆郊外的庄园里，越来越受人们尊敬，但也越来越孤独。1944年，在他80岁去世时，人们在他住所二楼紧锁的门后发现了1008幅油画、4443幅素描和15391幅版画，以及大量照片。 


“我对生活的恐惧对我来说是必要的，就像我的疾病一样，”他曾经写道。“没有焦虑和疾病，我就像一条没有舵的船....我的痛苦是我自我和我的艺术的一部分。他们与我无异，他们的毁灭就必毁灭我的艺术。” 


尽管蒙克的艺术生涯始于挪威画家克里斯蒂安·克罗格(Christian Krohg)，但他发展了一种充满心理冲击和表现力的艺术。事实上，当他举起画笔对着画布时，他通常已经不再注意他的模特了。“我画的不是我所看到的，而是我所感受到的。” 


蒙克博物馆高级策展人格尔德·沃尔(Gerd Woll)说，蒙克想被视为当代艺术家，而不是古代大师。从一开始，对蒙克的批评就是他的作品很多像是没有完成，他们像是草图。但蒙克故意想让它们看起来没有完成，他希望它们是原始的、粗糙的，而不是光滑并泛着光泽的。他想描绘的是情感。


“应该表现的不是椅子，”蒙克曾经写道，“而是一个人看到它时的感受。”